Портреты женщин: любви прекрасные черты

Какие женщины становятся музами для творцов? В Государственном музее искусств имени А. Кастеева можно увидеть женские образы всех времен и народов — и почувствовать то вдохновение, которое испытывали художники, чьи сердца воспламеняли представительницы прекрасного пола. В поисках женского идеала в залах музея нас с фотографом сопровождала искусствовед Екатерина Резникова. Наша экскурсия превратилась в квест – в поисках ускользающего в столетиях и десятилетиях эталона женственности и красоты. Каждая работа неизменно трогала сердце, восхищала и воодушевляла.

Сколь экзотичной, столько же и прекрасной представилась российскому художнику-«сезаннисту» Сергею Богданову, приехавшему в Казахстан в начале XX века, местная жительница. Он запечатлел ее в своей работе «Портрет казашки в национальном костюме». Замечательная работа представителя московского объединения «Цех живописцев»! Образ традиционной казахской женщины глазами русского художника – взгляд извне – точный, цельный, достоверный». Женщина, позирующая художнику, полна достоинства и покоя.

«Папа идет». 1960 г. Нагим-Бек Нурмухаммедов.

В картине «Папа идет» молодая женщина и малыш встречают отца семейства. Взгляд мамы, полный любви, надежды и ожидания, устремлен вдаль. Рука, закрывающая лицо от солнца. Теплая, проникновенная работа. Известно, что художник предпринял поездку на целину. За спиной женщины – индустриальный пейзаж. А она – хранительница очага, мать, жена, любящая и любимая.

«Счастье». 1966 г. Салихитдин Айтбаев

Картина «Счастье» Салихитдина Айтбаева стала прорывом в казахстанском искусстве, подлинным открытием на Всесоюзной выставке молодых художников в 1966 году в московском «Манеже». Работа была признана блестящим образцом казахского творчества, стала визитной карточкой национального искусства. Поколение шестидесятников вместе с лидером и вдохновителем Айтбаевым искали и вырабатывали новый изобразительный язык в казахской живописи. В картине «Счастье» женщина пребывает под защитой мужчины, неразрывная целостность их образа выражает торжественную монументальность. Преданная спутница своего избранника, ее лицо и фигура воплощают чувства любви, счастья, гармонии.

Утро. Время цветения вишни. 1982 г. Гани Баянов

Мастер масляной и акварельной живописи Гани Баянов – один из ярчайший из плеяды замечательных художников 1980-х, который и сейчас продолжает активно работать. Поэтический, лиричный, возвышенный автор. Он изобразил неспешное, нежное утро: приглушенный утренний свет, пробуждение весны, веточка вишни в банке с водой. Прекрасны образы двух женщин на первом плане картины – мать, заплетающая косы дочери-подростка, на заднем фоне открытая клетка для птицы. Светлый момент единения, преемственности поколений, необычайной гармонии, которая соединяет эти два сердца и наполняет любовью весь окружающий их мир.

Встреча.1968. Еркын Мергенов

Скульптор Еркын Мергенов очень много сделал для развития инновационных форм в изобразительном искусстве Казахстана периода независимости. Екатерина Резникова: «Я бы его определила как одного из первых постмодернистов в скульптуре, потому что он совмещал необычные контексты, постоянно экспериментировал с формой, материалом, смыслами. Работа «Встреча» – достаточно яркий пример. Мергенов изобразил женщину в традиционной одежде, в кимешеке – символе древнего Востока. Рядом с ней – велосипед, элемент современности. Подчеркнутая безликость персонажа с пустым овалом вместо лица. Зритель, созерцая скульптурную композицию, неизменно вовлекается в считывание загадочных контекстов, ассоциативных слоев в этой необычной «Встрече». Каждый сам решает, в какую эпоху вписать эту загадочную женщину.

Нурсулу Топалова. 1947 г. Сергей Калмыков

Екатерина Резникова, говоря о последователе русского авангарда Сергее Калмыкове, отмечает: «Жизнь и творчество выдающегося мастера была связана с оперным театром в Алматы. Нурсулу Топалова, звезда балета 30-40-х годов, прима оперного театра, часто становилась главной героиней в работах Сергея Калмыкова. В его картинах нередко возникали образы балерин: за кулисами перед выходом на сцену, гримирующихся или отдыхающих после выступления, в момент кульминации спектакля или в состоянии полета в танце на фоне облаков».

Девятый микрорайон. 1973 г. Абдрашит Сыдыханов

В картине «Девятый микрорайон» Абдрашит Сыдыханов запечатлел своих жену и дочь. Екатерина Резникова: «Важный, интимный момент для самого художника. Это продолжение темы человеческого счастья. Работа выполнена в стилистике шестидесятников, когда наблюдается укрупнение форм, подчеркнутый силуэт, локальные цвета. Все эти приемы в шестидесятые годы художники начинали активно внедрять в своем творчестве. У Сыдыханова «суровый стиль» шестидесятников и проявился в женском образе в картине «Девятый микрорайон».

Саукеле. 1992 г. Амандос Аканаев

Работа «Саукеле» Амандоса Аканаева наполнена сакральными архетипами, священными для кочевой цивилизации, культуры. Саукеле – головной убор невесты, значимый, ценный элемент казахской культуры. К нему было бережное отношение, он передавался из поколения в поколение. Запечатлен образ невесты, лицо которой частично закрыто декором головного убора. Его гипертрофированный размер словно символизирует связь человека с космосом, с небесным сводом.  Верхняя часть саукеле устремляется к шаныраку, к верхней части юрты – символу казахской кочевой цивилизации. Такова тема сакрализации. Начало 90-х годов для Аканаева стало периодом экспериментирования в живописи, когда он вводил в живопись элементы коллажа. Подчеркнутая рельефность поверхности – экспериментальный момент для художника.

За шахматной доской. Артуро Риччи 1854-1919. Италия

Мы перемещались по залам Госмузея и я попросила Екатерину Резникову прокомментировать картину «За шахматной игрой» Артуро Ричи, итальянского художника XIX века. Искусствовед отметила, что это особенно любимая зрителями работа. «Полотно воссоздает эпоху рококо во всем ее расцвете. Художник придает огромное значение множеству деталей интерьера, костюмам с большим вниманием к подробностям. Автор наполняет картину особой атмосферой, раскрывая характеры персонажей. Прекрасная молодая женщина и ее соперник, молодой юноша, пребывают за шахматной игрой. И эта история не про шахматы. Артуро Ричи, не обращаясь к вербальному контексту, выступает как рассказчик. В живописном сюжете молодой человек, судя по представленным здесь атрибутам, по холсту на дальнем плане, пишет портрет этой прекрасной дамы. Очевидно, они решили ненадолго прервать работу над картиной и сыграть партию в шахматы. Можно понять, что он безнадежно влюблен в молодую женщину, а она прекрасно осознает свою власть над ним. И в этом моменте — осознание удовольствия жизни и своей власти над мужчиной. А пожилой человек, свидетель этой сцены, скорее всего, с ностальгией вспоминает ушедшие годы своей молодости, явно узнавая в этом молодом человеке самого себя в недавнем прошлом».

Танцовщица. Копия с оригинала Кановы Антонио. Италия. Неизвестный художник. (мрамор, резьба) 19 век

По этой работе неизвестного художника 19 века «Танцовщица» можно судить, каким был эталон красоты во времена античности. Автор воплотил идеал той эпохи — здоровую, цветущую и плодородную красоту. Танец был элитарным занятием – его признавали высшим выражением мысли, приравнивали к драматическому искусству. И как далек этот образец женской красоты от сегодняшнего дня, когда не в чести пышные, округлые формы.

Богоматерь Федоровская. 18 век. Дерево, темпера

В Зале русского искусства имеется весьма ценная икона Богоматери Федоровской. Алматинская — Феодоровская — икона Пресвятой Богородицы – является точным списком святыни православного мира. Основой послужила великая Всероссийская святыня, Чудотворная Феодоровская икона. Она в постоянной экспозиции Госмузея искусств РК имени А. Кастеева. К этой канонической, глубоко почитаемой иконе подчас специально приходят посетители музея. Приносят цветы, возносят молитвы. Эта икона признана покровительницей невест, семейного благополучия. Перед ней молятся бездетные пары — о рождении детей, о легких родах. Икона Богоматери Федоровской датируется XVIII веком.

Портрет С.Н. Крамской, 1876 г. И.Н. Крамской

Для художника Ивана Крамского, основателя движения передвижников, жена Софья стала настоящей музой. Живописец создал целую галерею портретов любимой женщины. Екатерина Резникова: «Портрет Софьи Прохоровой, жены художника Ивана Крамского, выполнен в технике гризайль, которая отчасти перекликается с черно-белой фотографией. Портрет наполнен драматическим состоянием. И не случайно Крамского характеризуют как художника-психолога, он очень тонко и точно передавал человеческие чувства. Особенность живописи гризайль состоит в том, что она делается путем тональных растяжек в пределах одного цвета. Отсюда имитация черно-белой фотографии».

К венцу. 1896 г. В.В. Коновалов

Екатерина Резникова: «Неравный брак – очень популярная тема в конце 19 века. Она поднималась и в литературе, и в живописи. Вот, казалась бы, наступил самый счастливый момент в жизни женщины, когда она выходит замуж. Но девушка несчастна. Мы видим припухшие от слез глаза, печальное лиц, взгляд, погруженный в себя, не видящий ничего вокруг. Очень многие молодые женщины становились объектом сделки — средством финансовой стабилизации своей семьи. Для бесприданницы это было хорошим шансом вырваться из бедности. Но в то же время девушка понимала, что выходит замуж за нелюбимого, часто супруг был преклонного возраста. И в этой ситуации даже интерьер кареты обращает внимание на себя: это красивая клетка, в которую заточают девочку, и она вряд ли когда-то будет счастлива». 

Урожай. 1962 г. Бронза. П.Усачев.

Работа Петра Усачева «Урожай», 1962 год, по словам Екатерины Резниковой — один из ярких образцов соцреализма: «Можно говорить о некоторой плакатности и идеологической направленности произведения. Но здесь, скорее, мы все-таки воспринимаем гармонию образа. Женщина, молодая, прекрасная, персонифицирует природу, плодородие. Гордо воздев руки к небу, она поднимает колосья, восхваляет жизнь. Это песнь труду: как много требуется усилий, чтобы вырастить хлеб, собрать его! Что всегда означает, что народ будет процветать и жить в благополучии. Образ отчасти, возможно, идеализирован, но, самое главное, в советском искусстве соцреализм любят за его оптимизм, за наполнение жизнелюбием, за жизнеутверждающее начало. И, конечно, за блестящее владение академическими, реалистическими установками в искусстве. Проявляет себя образовательная база, которую получали художники советской эпохи».

«Мечта», 2021, Георгий Макаров

Выразитель смыслов дня сегодняшнего Георгий Макаров. По словам Екатерины Резниковой, «в основе его творчества лежит игра. Это увлекательнейший процесс и вместе с тем — способ познания окружающего мира, а также и как средство общения. В этой высокой художнической игре он использует различные материалы. Замысел помогают воплотить гелевая ручка, акрил или пастель. Георгий Макаров мастерски манипулирует предметами, вписывая их в невероятные контексты. Художник меняет масштаб и назначения избранных объектов. Он поселяет персонажей в мистические пространства, наряжает в фантазийные одеяния, предлагая им играть непривычные роли. Женщина в полотнах Георгия Макарова – всегда остается мечтой. Разговор о прошлом ведется с самой судьбой или с жизнью, которая предстает в образе женщины, закутанной покровом тайны.

Экскурсия в Государственном музее искусств имени А. Кастеева

Так какие они, образы женщин разных эпох? Екатерина Резникова: «Мы увидели трансформацию от юной девушки до пожилой апашки: через образ материнства, через образ профессиональной самореализации. Женщина персонифицирует природу, землю и плодородие. Совокупность работ, которые мы рассмотрели, показывает разнообразие стилистических тенденций. Наблюдаем эволюцию — от реалистических установок, до авангардных – как у Сыдыханова, у Аканаева, к экспериментальным тенденциям — как в скульптуре Мергенова «Встреча», у Георгия Макарова. Здесь с одной стороны – опора на академизм, но с другой стороны – абсолютный уход от него. Анализируя коллекцию женских образов музея, мы можем с полным основанием сказать, что женщина есть основа всего».